Bienvenue au catalogue de la 126e exposition d'art avec jury de la WASM !
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A.M. Benz
Comment joindre cet artiste :
courriel: studiombenz@gmail.com
Kugo Pierro 8133, Technique mixte
Prix: 1 400$
Shiro Piegare 8128, Technique mixte
Prix: 1 400$
Biographie de l'artiste :
A.M. Benz est une artiste émergente d'Ottawa (Ontario, Canada) qui travaille avec des techniques mixtes. Elle travaille principalement avec différents types de verre, de papier et de fil de fer, explorant le jeu de la lumière tout en utilisant une palette limitée. Une obsession de longue date pour l'énergie et le mouvement influence son choix de matériaux, qui sont choisis et placés à des endroits précis pour capter la lumière et simuler le mouvement à travers les espaces dimensionnels. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions avec jury au Canada et aux États-Unis.
Kuro Piegare 8133, qui signifie noir en japonais et pli en italien, est la combinaison des traditions issues de l’héritage italien de l’artiste sous forme d’art de la mosaïque et de son amour pour tout ce qui est japonais, en particulier le papier et le pliage de papier. La motivation derrière cette pièce est de montrer la beauté de l’intégration culturelle. Prendre ces deux extrémités du spectre, deux traditions artistiques anciennes des extrémités opposées du monde, deux matériaux disparates (papier, verre) et les combiner avec un élément sculptural pour les réunir en une seule œuvre d’art contemporaine. Une combinaison d’influences crée une nouvelle beauté plus grande que les techniques singulières du passé.
Annette Wolfstein-Joseph
Biographie de l'artiste :
Le thème actuel de mes gravures est mon jardin et la vie qui y pousse. Je suis émerveillée par le cycle de croissance, de floraison, de mort et de régénération qui se produit quotidiennement dans le jardin, ce qui me permet de me connecter à la créativité à grande échelle. Mes gravures sont ma propre tentative de créativité à une échelle beaucoup plus humble. Je m'aventure à recréer les merveilleuses couleurs et textures, les lumières et les ombres qui varient avec le déplacement du soleil et le changement des saisons. Les couleurs transmettent les sentiments et les humeurs suscités par la splendeur du jardin, dans une vue rapprochée et personnelle, plus grande que nature, du point de vue de l'œil d'abeille des plantes, traduisant une implication totale dans le décor.
Depuis que j'ai étudié la gravure à l'Université Concordia à Montréal, où j'ai obtenu mon baccalauréat en beaux-arts en 1971, j'ai poursuivi sans relâche la technique de la gravure comme principal moyen d'expression.
Au cours de mes années de graveur, les sujets variés de mon travail ont été très personnels, exprimant mes passions et mes passe-temps. J'ai travaillé en séries de seize gravures ou plus sur chaque sujet, comme les Portes de Montréal Ouest (mon quartier), les bateaux sur le lac Champlain, ma vie quotidienne vue au repos avec mes pieds au premier plan, et actuellement, mon jardin. Cette série s'est élargie pour inclure mon potager et s'intéresse au mystère des plantes apparaissant dans l'ombre. Elle présente de forts contrastes de lumière et d'obscurité sur des plaques profondément texturées combinant parfois eau-forte et collagraphies, souvent avec des enroulements visqueux. Mon intérêt pour cette nouvelle série vise à transmettre mes passions pour mon jardin et la végétation qui s'y trouve. Je crois que j'ai réussi et j'espère que le spectateur partagera mon enthousiasme.
Chaque gravure a été imprimée à la main dans une combinaison de techniques traditionnelles et innovantes, entièrement par l'artiste et chacune est donc une gravure originale, conçue dans la plaque de gravure en métal, et non une reproduction d'une autre forme d'art. Je conçois, grave et imprime en petites éditions (jamais plus de vingt estampes) dans mon propre atelier à Dorval, au Québec. Pendant de nombreuses années, j'ai été membre de l'atelier de gravure de l'École des beaux-arts du Centre Saidye-Bronfman, où j'ai enseigné la gravure pendant neuf ans et dirigé le département de gravure jusqu'à sa fermeture en 2007. Je suis également membre associé de l'AtelierCirculaire.
Mon travail a été inclus dans de nombreuses collections privées et corporatives et un certain nombre de mes estampes ont été achetées par la Bibliothèque nationale du Québec.
Serenade the Sun
Gravure à l'aquatinte
25" x 18"
Prix : 425$
My Wild Iris, Rose
Gravure à l'aquatinte
25" x 18"
Prix: 425$
April Pyne
April Pyne est née à Brooklyn, New York. Elle est influencée par des artistes tels que Paul Klee et Mark Rothko. Sa série d’œuvres actuelle est réalisée à l’acrylique. À travers l’abstraction géométrique et l’interaction des couleurs, elle explore l’idée d’ordre. Le travail d’April est apparu dans diverses publications telles que « The Healing Muse » et « The Menteur ». Ma pratique spirituelle et mon monde intérieur contribuent à mon travail. À travers l’abstraction géométrique, je tente de mettre de l’ordre dans l’intuition.
Before the Mountains Were Born
Acrylique et Gesso
24 x 24
Prix : 832$
Avy Loftus
Tabula Rasa
Fabrication batik et découpe laser
25" x 15"
Prix : 535$
Comment joindre cet artiste :
courriel : avyklee@gmailcom
Avy Loftus est une artiste visuelle, créatrice de batik et éducatrice en art basée à Montréal. En tant qu'artiste visuelle et créatrice de batik, elle a déjà participé à de nombreuses expositions collectives et individuelles au Canada, aux États-Unis, en Irlande, au Japon, en Corée, en Indonésie, en Bulgarie et aux Bermudes. Elle a reçu de nombreux prix pour ses œuvres d'art, notamment la Médaille du jubilé de diamant de la reine Elizabeth II en 2013 pour ses contributions artistiques et communautaires. Ses œuvres ont été vendues au Canada, aux États-Unis, en Irlande, en Indonésie et aux Bermudes.
En tant qu'éducatrice en art, elle enseigne actuellement l'art textile, en particulier le batik, au Musée des beaux-arts de Montréal et dans le cadre du programme Culture à l'école du Québec. Elle a animé des ateliers de batik dans de nombreux musées et festivals au Canada, aux États-Unis, en Irlande et en Indonésie.
Avy est actuellement présidente de l'association Asian Canadian Women Artists et directrice de Peace, Love and Hope. Elle est membre des organisations suivantes : English Language Arts Network (ELAN), National Art Education Association (NAEA), The Textile Society of America (TSA), Women’s Art Society of Montreal (WASM), The Canada-Indonesia Chamber of Commerce (CICC) et The Irish Protestant Benevolent Society (IPBS).
Avy est titulaire d’un baccalauréat en éducation, d’un baccalauréat en langue et art et d’un diplôme en relations publiques. Elle a terminé avec succès sa formation artistique à la Saidye Bronfman Centre School of Art. Elle a récemment terminé sa maîtrise en éducation artistique à l’Université Concordia.
Kaléidoscope déconstruit
Technique mixte
25" x 15"
Prix : 425$
Barbara Salonen Fox
Barbara est née à Vancouver, en Colombie-Britannique, et à 22 ans, elle a déménagé à Montréal, où elle réside toujours. La peinture a été sa passion toute sa vie, commençant très tôt avant toute formation formelle. Les cours d’art ont commencé à l’âge de 11 ans à la Vancouver Art Gallery, suivis par la Vancouver School of Art et plus tard à l’École des Beaux-Arts de Montréal. Elle visualise des peintures partout où elle va, découlant de son amour de la nature ou de son plaisir à voir des gens dans la rue, ou de son désir d’exprimer les intangibles invisibles à l’œil nu. Son objectif principal était très tôt de peindre à partir de la nature, la beauté des paysages, des arbres, des jardins, de l’eau et des fleurs sauvages du Canada. Elle peint maintenant également des œuvres semi-abstraites et abstraites qui montrent des pensées introspectives sur son amour de la musique, des influences anciennes et mondiales, ainsi que de la spiritualité.
Jardin oriental
Acrylique sur toile
36" x 36"
Prix : NFS
Barbara croit que « peindre, c’est célébrer la vie ». Elle a été inspirée pour créer cette œuvre semi-abstraite par le souvenir de ses fréquentes visites aux jardins Butchart à Victoria, en Colombie-Britannique. Elle dit qu’elle a été profondément émue à chaque nouvelle visite en voyant les différentes sections du jardin, notamment le jardin japonais, le jardin italien et la roseraie. Elle peint avec le sentiment émotionnel qu’elle ressent à l’égard du sujet, en appliquant de la texture, des dégradés de couleurs et en travaillant vers la profondeur, plus que ce que l’œil perçoit au premier coup d’œil. La créativité naît lorsqu’à un moment donné, sa propre vision unique fonctionne de concert avec la peinture elle-même, ouvrant la voie à l’achèvement. Cela devient souvent abstrait.
Birte Paul
Mirage
Aquarelle
16" x 20"
Prix : 425$
Depuis environ 10 ans, je pratique l'aquarelle. Je continue à la trouver à la fois belle et stimulante. Il y a encore beaucoup à apprendre et je suis souvent surprise du résultat lorsque les couleurs se mélangent à l'eau. Un merveilleux médium avec lequel travailler.
Rêver de formes et de leur interaction dans une palette limitée.
Joie et bonheur
Aquarelle
13" x 16"
Prix : 425$
Blue Joyce
Née et élevée à Toronto, Blue a d'abord suivi une formation en design de mode, mais au printemps 2014, elle s'est mise à l'aquarelle et n'a jamais regretté son choix. Elle vit et travaille actuellement à Montréal.
Blue crée de l'art pour son plaisir et celui de ses spectateurs, en réunissant fantaisie et détails dans un ensemble cohérent. Dans cette œuvre, elle a fait un clin d'œil à son expérience en design de mode.
Unity
Aquarelle
16.5" x 20.5"
Prix : 500$
Bonnie Frankel
Les couleurs de l'été
Acrylique
32" x 62"
Prix : 850$
Bonnie Frankel est à la fois artiste et infirmière de salle d’opération. Cette double carrière se reflète dans ses peintures. Son choix et son amour des couleurs vives deviennent évidents et clairs lorsque l’on considère l’environnement monochrome du bloc opératoire.
Une série de peintures en noir et blanc capture le dévouement, la concentration et l’intensité de l’équipe du bloc opératoire alors qu’elle s’occupe de son patient.
Les thèmes de ses autres peintures sont contrastés. Des enfants s’amusent dans le parc ou attendent le soleil après une journée pluvieuse. La nature est une autre inspiration, les couleurs merveilleuses et vibrantes des fleurs et les décors paisibles des différentes saisons. Une autre série représente des sujets favoris dans son interprétation du Pop Art.
Une série spéciale s’appelle « Synergy ». Comme son nom, elle est une fusion de techniques mixtes, de techniques et de son expérience en soins infirmiers. À l’aide d’une aiguille hypodermique et d’une seringue avec de la peinture, elle injecte de l’énergie dans ces peintures abstraites. Ces peintures intègrent des techniques mixtes, du plâtre de Paris sculpté (matériau moulé) et de la peinture moulée à la main, pour créer des effets uniques.
Bonnie a exposé dans plusieurs endroits à Montréal. Deux tableaux se trouvent actuellement à l’hôpital St. Mary.
Bonnie Frankel vit avec son mari à Montréal où résident également ses trois enfants et leurs familles.
Douceurs sucrées
Acrylique
28.5" x 36.5"
800$
Carol Rabinovitch
Lumières en fuite
Huile
20" x 16"
Prix : 300$
Des vacances dans la région de Charlevoix au Québec m'ont inspiré à m'inscrire à un cours de peinture. Je me suis plongé dans mes peintures et mes pinceaux et j'ai attendu avec impatience les instructions de mon premier professeur. J'ai mélangé les couleurs et dessiné des formes pour créer des images vivantes.
J'ai continué à peindre dans divers ateliers et écoles. Cela comprenait des cours de dessin, de gravure et de collage.
En tant qu'artiste contemporaine montréalaise, mon style est fantaisiste et parfois abstrait. J'ai expérimenté différents styles et techniques. Les images joyeuses avec des éclats de couleurs vives sont ma passion. Elles me fascinent lorsqu'elles dansent sur mes toiles. Ma joie est de donner à la toile une personnalité, une ambiance, tandis que des formes et des formes surgissent dans mon esprit. Lorsqu'elles s'assemblent, le résultat est amusant et surprenant - surtout pour moi !
Ce kaléidoscope est le résultat de lumières vives provenant d'une piste d'atterrissage.
Labyrinthe incroyable
Huile
20" x 24"
Prix : 350$
David Chandler
Rue de Rivoli
Encre sur aluminium
24" x 36"
Prix : 750$
À la retraite, après avoir enseigné les sciences sociales et la photographie aux élèves du secondaire pendant 33 ans, j'ai embrassé le monde de la photographie numérique. En même temps que j'enseignais, j'ai également développé la seule entreprise de cartes anciennes au Québec. Mes intérêts photographiques se concentrent sur les images de voyage, d'architecture et de fleurs (elles ne bougent pas et se plaignent du résultat !). Ces derniers temps, je me suis de plus en plus orienté vers des images purement abstraites, basées sur des photos. J'offre également mes services de conférencier, les sujets tournent autour de la photographie et des cartes anciennes.
L'un des rôles de l'artiste/photographe est de révéler le monde à ceux qui pourraient autrement manquer la beauté et les formes qui les entourent. La photographie est aujourd'hui accessible à tous ceux qui possèdent un téléphone portable. Prenez suffisamment d'images et certaines seront forcément excellentes ! Les photographes se tournent de plus en plus vers des images abstraites pour expliquer leur point de vue.
Cette image met l'accent sur l'énormité de l'environnement urbain bâti par rapport à la solitude fréquente de l'individu solitaire. La puissance structurelle des grands bâtiments peut être assez oppressante.
Solitude urbaine
Encre sur aluminium
24" x 36"
Prix : 750$
Deanne Hall-Habeeb
Imagine Van Gogh #1
Acrylique
24" x 30"
Prix : 750$
En tant qu’artiste pratiquant, j’ai travaillé dans plusieurs médias : eau-forte, gravure sur bois, stylo et encre, crayon, peinture à l’huile et à l’acrylique, ainsi que collage de fils et de tissus. Dans ma vie d’artiste, j’ai exploré divers sujets, mais je me tourne principalement vers les sujets autochtones où que je sois.
J’ai eu plusieurs expositions individuelles et collectives à Montréal, à Bahreïn, en Turquie et aux États-Unis.
En tant qu’éducateur artistique, j’ai enseigné l’art à Montréal et au Wisconsin, la majeure partie de ma carrière d’enseignant se déroulant à l’étranger, à Bahreïn, où j’ai enseigné à tous les âges : maternelle, collège, lycée et adultes.
Les images gigantesques des peintures de Vincent Van Gogh projetées lors de la récente exposition immersive Imagine Van Gogh à Montréal ont été, du point de vue de cet artiste, une expérience bouleversante. Être entouré de ces œuvres essentielles et pouvoir voir chaque trait passionné était vraiment exaltant. Ne faire qu’un avec les nombreux spectateurs captivés était inspirant. Cette peinture revit cet événement phénoménal. Qu’y a-t-il de mieux que les étoiles et la lune de Van Gogh ?
Des iris partout. Devant, derrière, de profil… immersion totale. La force et la délicatesse des fleurs de Van Gogh, magnifiées cent fois, frappaient de plaisir et d’émerveillement les yeux admiratifs du spectateur. Partout où l’on regardait, on absorbait l’ampleur de ces humbles sujets. Exposition à Montréal : Imagine Van Gogh, L’exposition immersive
Imaginez Van Gogh #2
Acrylique
24" x 30"
Prix: 750$
Deena Dlusy-Apel
Tout ce que vous voyez
Acrylique sur toile
40" x 40"
Prix : 800$
J'ai peint toute ma vie et j'ai enseigné l'art à tous les niveaux. J'ai occupé un poste à temps partiel au Département d'éducation artistique de l'Université Concordia. J'ai exposé mes œuvres dans de nombreuses expositions collectives et individuelles. Mon travail va du réalisme à l'abstraction et les thèmes politiques ainsi que philosophiques m'attirent.
Ce tableau est le rejeton d'une série de peintures basées sur l'idée de la quadrature du cercle basée sur la photographie de Robert Landry ; au fil du temps, les formes circulaires de toutes sortes sont devenues attrayantes et ce tableau est le résultat du plaisir que j'ai eu avec cette idée.
Ce tableau fait partie d'une série basée sur la photographie de Robert Landry, un psychiatre basé à New York, qui a quadrature le cercle dans ses photographies ; inspirée de son travail, cette pièce est un reflet du processus de jeu avec le cercle.
La quadrature du cercle
Acrylique sur panneau
30" x 30"
600$
Diana Bruno
Diana Bruno est une photographe émergente qui explore divers sujets et développe sa voix photographique. Elle a participé à de nombreuses expositions collectives à Montréal. Ses œuvres font partie de collections privées à Vancouver, Toronto et Montréal. Elle utilise un appareil photo numérique micro quatre tiers. Elle est également une auteure publiée ; son livre Lexique français-anglais de la cuisine et de la restauration est en lice pour les prix Taste Canada 2020.
Écoute
Photographie encadrée et imprimée de manière archivistique
14" x 18"
Prix : 500$
Anomie
Photographie encadrée et imprimée de manière archivistique
26" x 29"
Prix : 575$
Diane Simmoneau-Romiti
Comment joindre cet artiste :
courriel: diane.simoneau@gmail.com
Née à Montréal, ses années de formation sont influencées par de merveilleux professeurs – Arthur Lismer, Leslie Smith, Charles Gagnon, John Max. Elle suit des cours de dessin, de peinture et de photographie. Elle obtient un baccalauréat en arts de la communication de Concordia qui lance sa carrière professionnelle en tant que communicatrice visuelle. Son expérience audiovisuelle et multimédia lui apprend à faire passer un message, une idée, un concept qu'elle exécute de manière créative, avec compétence et ingéniosité.
Avec son mari, elle déménage en Angleterre. C'est une période de transition. Elle fait partie d'un projet artistique d'une durée de six mois où elle laisse tomber certaines de ses incertitudes. Il se conclut par une exposition intitulée The bottom Drawer – Une exposition expérimentale de photographie et de techniques mixtes qui parcourra le Royaume-Uni pendant deux ans.
De retour à Montréal, elle change de carrière. Avec peu de ressources, elle entreprend un DEP en prépresse. Elle est ensuite embauchée comme assistante designer sur un projet pour Veteran’s Affairs, un CD – Canada’s Coming of Age 1939-1945 – nominé au Corpovision’98, Applied Arts Awards. Elle travaille ensuite comme graphiste – pigiste pour MultiVisual Productions de BCE Media, et à temps plein pour Air Canada jusqu’à sa retraite.
Elle ravive maintenant sa curiosité d’artiste et de collagiste, s’amusant, apprenant et découvrant par elle-même.
Tout monde de rêve est plein de surprises à chaque tournant, sous chaque angle. Et chaque reflet est comme un zigzag d'images dans une salle de miroirs.
Le rêve d'un chat
Collage numérique imprimé
24" x24"
Prix : 700$
Doina Bundaru
Comment joindre cet artiste :
courriel : doina_bundaru@yahoo.com
Automne
Acrylique
30" x 24"
Prix: 720$
Doina Bundaru est née en Roumanie et a déménagé à Montréal au début des années 90. Elle s'intéresse aux arts dès son plus jeune âge et certains de ses dessins ont été sélectionnés pour une exposition collective pendant ses études. Cependant, elle a suivi un cheminement de carrière différent en ingénierie. Il y a quelques années, elle a renoué avec sa vieille passion, en suivant des cours d'art et des ateliers pour continuer à améliorer ses compétences.
Elle est reconnaissante envers sa tante, l'artiste et professeur d'art Zamfira Barbu Galan qui vit à Bucarest, pour ses encouragements pendant toutes ces années.
Elle s'inspire de la vie quotidienne, d'un beau coucher de soleil, de formes intéressantes, de vieux souvenirs, de la beauté de la nature et elle utilise les couleurs comme outils pour transmettre ses émotions sur la toile.
Elle peint principalement à l'acrylique dans un style impressionniste et se dirige de plus en plus vers l'abstrait. Dans le processus de peinture, elle aime appliquer des textures, jouer avec des couches de couleurs et de médiums jusqu'à ce que le tableau « prenne vie ». Elle aime le dialogue ouvert entre l'œuvre d'art et le spectateur, les nombreuses interprétations qu'une œuvre d'art peut générer.
Elle est membre de l’Association des artistes de Kirkland, du Cercle des artistes de l’Ouest-de-l’Île et elle s’est récemment jointe à la Women’s Art Society de Montréal. Elle a participé à plus d’une vingtaine d’expositions collectives et ses tableaux se retrouvent dans des collections privées au Canada et en Europe.
Ce tableau nous rappelle la saison d'automne. Il inspire un kaléidoscope de sentiments et de couleurs; la nostalgie de l'été perdu est symbolisée par la couleur bleue et les feuilles colorées nous rappellent les longues promenades en forêt ou dans les rues alors que l'automne s'installe.
L'amour est symbolisé dans ce tableau par la couleur rouge et les cercles représentent les cercles de famille et d'amis qui sont la force vitale qui nous maintient en vie et nous aide à vivre une vie kaléidoscopique, une vie dans laquelle nous voyons les couleurs et la beauté sur l'obscurité et la tristesse.
Force vitale
Acrylique
Size not indicated"
Prix : 425$
Eileen Miller
J'ai vécu toute ma vie à Montréal, au Canada. Mon éducation artistique formelle a commencé à la fin des années 80 sous la direction de Herman Heimlich, Marilyn Rubinstein et Leslie Schalk, lui-même élève de Matisse. Bien que je peigne depuis plus de 30 ans avec des artistes de renom, je me sens autodidacte.
Lumières de nuit en kaléidoscope
Acrylique
32" x 32"
Prix: 1800$
La nature est sa plus grande inspiration, belle ou non. C'est ce qu'elle est et la façon dont elle l'affecte, qui se reflète sur la toile. Son travail a tendance à être libre et pictural avec des contrastes de couleurs. Elle se sent plus à l'aise lorsqu'elle est entourée de son travail. Cela favorise la possibilité d'exprimer ses émotions les plus profondes et les plus vives. Le monde extérieur disparaît ! La peinture l'aide à garder les pieds sur terre. Il n'y a jamais d'erreurs, juste des accidents heureux ! Elle se concentre sur l'ici et maintenant parce que c'est vraiment tout ce qu'il y a à ce moment-là. Elle pense que ses peintures ont un mystère, pas fait exprès, il semble que cela se développe simplement au fur et à mesure qu'elle avance. Dans le meilleur des cas, elle pense que son travail a aussi un avantage ; quelque chose en lui qui prend un moment, un deuxième regard. Comme pour toute œuvre d'art, ce que vous retirez de ses peintures dépend des expériences personnelles des spectateurs .
Elaine Bacal
Elaine est diplômée de l'Université Sir George Williams (Concordia) avec un baccalauréat en sciences et a toujours travaillé dans le domaine des sciences de la santé. En 2015, elle a pris sa retraite de l'Hôpital général juif après 25 ans de service. Elle a rejoint la Women's Art Society of Montreal (WASM) en 2015 et est actuellement la responsable du blog de WASM. Elaine est également membre du Montreal Camera Club. Son intérêt pour les arts et la culture a commencé très tôt avec la musique et la danse. Elle a commencé à prendre des photos à un jeune âge avec l'aide de son père en utilisant des appareils photo argentiques. Depuis qu'elle est passée au numérique, la photographie d'Elaine s'est transformée - elle aime « jouer » avec ses photos en les manipulant dans Photoshop, en les imprimant sur des supports inhabituels ou en réalisant des collages photo. Elle a également créé des livres photo traditionnels ainsi que des livres faits à la main dans des formes 3D inhabituelles en utilisant ses propres photographies. De nombreuses images créatives d'Elaine sont influencées par la musique de nombreux genres.
Pour en voir plus, visitez le site Web d'Elaine : https://elainebacal.zenfolio.com/
Expositions :
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Galerie JGH 3775 depuis de nombreuses années
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Exposition et vente annuelles d'œuvres d'art avec jury de la WASM, Résidence des Sœurs Grises de Concordia, 2016, 2017, 2018; Galerie Livart, 2019, 2020
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Exposition photographique des Amis du cimetière Mont-Royal, 2017, 2018, 2019
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Exposition photographique du 125e anniversaire, Galerie McClure, Westmount, juin 2017
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Exposition de l'Association des anciens de Concordia, novembre 2017
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Exposition de photographies de Westmount à la Galerie d'art du Victoria Hall, novembre-décembre 2017
Cercle du Soleil
Photo de réalité altérée
12.5" x 12.5"
Prix : 175$
« Circle of Sun Ra » est une image de réalité altérée composée d'une photographie d'une crevette dorée, appliquée 32 fois dans Photoshop, puis mise en miroir, tournée et fusionnée pour obtenir la création finale d'une image kaléidoscopique baignée de soleil. Sun Ra, le regretté claviériste de jazz, compositeur, philosophe et leader du big band d'avant-garde The Arkestra, portait des tenues d'inspiration égyptienne et jouait des chansons intitulées Tiny Pyramids et Space Is the Place. « Circle of Sun Ra » est un hommage à l'un des musiciens de jazz les plus controversés et les plus innovants de tous les temps.
Automne mystique
Photo de réalité altérée
12.5" x 12.5"
Prix : 200$
« Mystic Autumn » est une image de réalité altérée composée d’une photographie de feuilles d’automne colorées, appliquée 16 fois dans Photoshop, puis mise en miroir, tournée et fusionnée pour obtenir l’image finale dans laquelle apparaissent des créatures mystiques. Cette image a remporté une médaille d’or au concours créatif de l’Association canadienne des arts photographiques dans le cadre d’un groupe de 6 photographes participants du Montreal Camera Club : https://www.montrealcameraclub.com/capa-2019-2020.html
Esther Kanfi
L'heure du thé
Acrylique
27.5" x 21.5"
Prix : 150$
Vase bleu
Acrylique
24" x 24"
Prix : 200$
Gertrude Antoine Barwick
La noble bête
Acrylique
18" x 36"
Prix : 900$
Kaléidoscope jungien
Technique mixte
12" x 12"
Prix : 300$
Ghada Bedgache
Comment joindre cet artiste :
courriel :ghada.bedgache@gmail.com
Souvenirs
Acrylique
40" x 30"
Prix : 1198$
Brise d'été
Acrylique
40" x 30"
Prix : 1198$
Helene Mann
Méditation en bleu
Impression jet d'encre
30" x 26"
Prix : 500$
Enseignant retraité avec trente ans d’expérience (Maroc, Paris et Montréal). Depuis ma retraite, mon intérêt pour les arts m’a conduit vers l’art numérique. En tant que membre de longue date de TRAM, j’ai participé à de nombreuses expositions et remporté des prix pour mon travail. L’art numérique est un domaine en développement et offre de nombreuses possibilités d’imagination et de flexibilité dans la créativité.
Isle Martin
Cheval au galop
Aquarelle
23" x 18"
Prix : 250$
Mitaines
Aquarelle et collage
26" x 23"
Prix : NFS
Jackie Rae Wloski
Comment joindre cet artiste :
courriel : jackirae@colba.net
Escalier R.O.M. #4
Huile
32" x 26"
Prix : 1250$
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Née à Montréal, elle vit et travaille toujours ici.
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Diplômée de l'Université Sir George Williams (Concordia) avec un baccalauréat en gravure et une mineure en biologie, elle a ensuite appris l'infographie et a obtenu un DEC en prépresse du Centre de technologie de Rosemount.
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A travaillé commercialement chez Import Bazaar, la Gazette, Pratt & Whitney et en freelance, et a enseigné le dessin au Centre Cummings et en privé.
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Jackie a participé à de nombreuses expositions au fil des ans, en groupe et en solo, recevant de nombreux prix, et son travail fait partie de nombreuses collections d'art, privées et d'entreprises. Elle est présente dans des galeries à Toronto et à Montréal, notamment à la Campbell Framing Gallery ici à Westmount.
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Déclaration de l'artiste :
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L'énergie et le mouvement,... l'élément de surprise,... l'habituel rendu inhabituel,
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... des réalités légèrement déformées : tels sont mes thèmes. Je crois qu'il y a plus dans ce que nous voyons que ce que l'on peut voir au premier coup d'œil. Plus on regarde, plus on voit.
Rien n'est banal lorsqu'on le regarde. Tout peut être fascinant, il suffit de le voir et de le reconnaître, qu'il s'agisse de la lumière et des ombres sur un sol, des formations nuageuses, des bâtiments vus les uns par rapport aux autres ou des escaliers, comme celui-ci au ROM à Toronto. Tout est une question de vraiment regarder, de voir et de reconnaître les compositions, les équilibres, les couleurs et la façon dont la lumière les modifie. Ce n'est qu'une vue parmi tant d'autres de cet escalier qui m'a inspiré.
Arbuste à fleurs
Huile
32" x 26"
Prix : 900$
Étant donné que ce magnifique et grand arbuste se trouvait sur le terrain du cimetière du Mont Royal, il semble approprié de voir trois étapes dans la vie de ces fleurs : la naissance (bourgeons), les versions jeunes et matures et les fleurs qui fanent (mourent). Toutes sont importantes.
Jad Al Nasrallah
Comment joindre cet artiste :
courriel : deltex89@hotmail.com
Jad Al-Nasrallah a étudié à l'Université Concordia où il a été encadré par de grands artistes tels qu'Armand Tatossian, Yves Gauchier et John Fox. En 1979, il obtient un baccalauréat en beaux-arts. Après avoir obtenu son diplôme, il fonde une entreprise de sérigraphie textile où il travaille de 1989 à 2007. Il décide ensuite de prendre sa retraite et de consacrer tout son temps à sa passion. Ses peintures illustrent souvent des paysages, des abstraits et des portraits. Dans ses différentes œuvres, il utilise notamment le fusain, la peinture à l'huile et l'acrylique. Il aime utiliser les couleurs et les textures de la nature dans ses peintures. Il s'inspire de nombreux peintres tels que le Groupe des 7. Il a suivi plusieurs cours d'art donnés par Gisèle Rivard et il a participé à plusieurs expositions dans lesquelles il a présenté plusieurs de ses œuvres. Il a récemment présenté ses dernières toiles à la galerie d'art de la bibliothèque d'Anjou. Il est également membre de l'Association des femmes d'art de Montréal. Il a récemment vendu quelques-unes de ses œuvres à des amateurs d'art comme lui.
Sans titre
Huile
24" x 28"
Prix : 800$
Mon petit-fils
Crayon
NFS
Jane Wigglesworth
Eau qui coule
Huile
13" x 18"
Prix : 450$
Une scène près des rapides de Lachine un jour où la lumière change constamment dans le ciel sur l'eau turbulente.
Capturer un moment de lumière, de couleurs et d'images changeantes lors d'un voyage en train dans le nord de l'Italie.
En route en train
Huile
17" x 14"
Prix : 550$
Jennifer Laoun Rubenstein
Jennifer Laoun-Rubenstein est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts (2007) de l’Université Concordia et est actuellement encadrée par sa grand-mère et artiste visuelle, Marilyn Rubenstein.
Elle a exposé ses œuvres au Musée des Maîtres et Artisans, à la Galerie Diagonale, au Tokyo Big Sight (Design Festa Summer, Tokyo, Japon) et au bureau Papineau du très honorable premier ministre, Justin Trudeau.
En 2010, Laoun-Rubenstein a réduit sa pratique artistique afin d’assumer la direction du programme de soutien aux arts et à la culture chez Georges Laoun Opticien, une entreprise familiale montréalaise reconnue pour son mécénat de longue date auprès des arts par le Conseil des Arts de Montréal et la Ville de Montréal.
Au cours de ses près de 10 années au sein de la compagnie, Laoun-Rubenstein a supervisé la programmation et l’exposition de plus de 300 artistes de toutes disciplines et a renforcé et élaboré des partenariats existants et nouveaux avec des organismes locaux, notamment le Festival Trans Amériques, le Festival Quartiers Danses, OFFTA, CINÉMANIA et Arion Orchestre Baroque.
Jennifer Laoun-Rubenstein a fait un retour définitif à la pratique active de l’art à l’automne 2018, en se concentrant principalement sur le dessin, la peinture et l’écriture créative. Elle vit et travaille à Montréal.
Toutes les jolies couleurs sur Palm Unread
Huile
48" x 60"
Prix : 3000$
Jennifer Laoun-Rubenstein aborde le présent expérientiel à travers une exploration de sa propre biographie. Les thèmes de l’identité, de la nostalgie, de la limerence et de l’érotisme se superposent aux plis cutanés ondulants, aux fils et aux lignes de flottaison récurrents dans son travail. La perception sensorielle et intuitive guide son processus de narration visuelle, invitant les spectateurs à y greffer leur propre expérience.
Johanne Dussault
D
Je suis une artiste montréalaise résidant maintenant à l'Ile Bizard. J'ai toujours été fascinée par l'art sous toutes ses formes, peinture, sculpture, musique, mais la peinture est ma thérapie de choix. J'ai finalement pu suivre des cours de peinture il y a 20 ans, mais en raison d'un changement de carrière, j'ai dû mettre un terme à mes activités artistiques. Je suis maintenant à la retraite depuis un certain temps et je peux reprendre cette partie culturelle enrichissante de ma vie. Peinture à l'huile, acrylique, encre à l'alcool, tempera, j'aime apprendre de nouvelles techniques et expérimenter de nouveaux médiums. Le contraste et le jeu des couleurs, des formes ainsi que des mouvements sont une découverte constante, chaque tableau devenant un autre défi. L'inspiration pour mes œuvres vient de photos de mes voyages ou simplement de choses qui m'entourent et qui me donnent une profonde appréciation de la nature. La peinture représente pour moi un moment de paix intérieure.
Se promener
Technique mixte
29" x 34"
Prix : 450$
Jour du mariage
Acrylique
19.5" x 23.5"
Prix : 350$
Josette Wecsu
Le repenseur
Pétrole
30" x 30"
Prix : NFS
Après avoir obtenu mon diplôme d’études secondaires, je suis entrée à l’École des Beaux-Arts de Montréal où j’ai reçu une formation de base en dessin, peinture et sculpture. Nous étions la « fameuse » génération des années soixante, désireuse de nous libérer des contraintes des conventions. Après deux ans à l’École, j’ai suivi mes amis en Europe où nous espérions élargir nos horizons culturels. J’ai passé les deux années suivantes à Londres, en Angleterre, où j’ai travaillé comme stagiaire en maquillage de théâtre à la BBC.
De retour à Montréal, j’ai suivi des cours d’enseignement de l’anglais langue seconde; j’ai aimé rencontrer des gens d’autres langues. Cela m’a amenée à poursuivre mes études à l’Université Concordia où j’ai obtenu un baccalauréat en psychologie. Par la suite, j’ai obtenu un diplôme d’études supérieures en gérontologie à l’UQAM (2003).
J’ai toujours été une artiste n’ayant jamais abandonné ma pratique de la peinture, bien que seulement pendant mon temps libre.
Finalement, après ma retraite en 2013, je me suis inscrite comme étudiante à temps plein en art à l'Université Concordia et j'ai obtenu un baccalauréat en beaux-arts en 2018.
Expositions :
Women's Art Studio of Montreal. Exposition de groupe au Centre d'Art EK Voland, Complexe du Canal Lacine : -mai 2016 ; -mai 2017 -mai 2018
Galerie de la Ville, D.D.O., commissariée par Claudine Ascher. Exposition de groupe - octobre 2017 - juin 2018
Hiver 2018/Automne 2019 Des exemples de mes peintures ont été publiés dans deux numéros du Concordia University Magazine.
Mars 2019 : j'ai eu une exposition personnelle à la bibliothèque Eleanor London de Côte Saint-Luc.
Juillet 2019 Exposition collective à la Bibliothèque de la Côte Saint-Luc
Avril 2019 : Galerie Métèque, Montréal. Exposée avec 9 autres artistes.
Le Rethinker, hommage à la célèbre sculpture de Rodin, est un exemple de « happening anthropomorphique » où l'artiste prend la place de la sculpture. Nous exprimons souvent notre amour pour un artiste en particulier parce que nous aimons son œuvre ; les deux sont interchangeables.
Derrière la figure proéminente du tableau de J. Wecsu, elle regarde par-dessus son épaule pour reconnaître plusieurs maîtres du mouvement surréaliste : Magritte, de Chirico, Ernst.
Les deux tableaux de Josette Wecsu sont centrés sur le mouvement surréaliste. Le surréalisme, selon le Manifeste du surréalisme d'André Bretton (1924), est un dialogue sur ce qui se rencontre par le biais des rêves, du hasard, de la coïncidence ; jamais prédéterminé, mais défiant le discours rationnel.
Salvador
Huile
30" x 30"
Prix : NFS
« Salvador » est un hommage à l’artiste surréaliste de renommée internationale, Salvador Dali (1904-1989). Salvador, de l’espagnol, signifie Sauveur. Ici, j.wecsu décrit la conflagration de doctrines religieuses conflictuelles défendues au Moyen-Orient.
Lavi Picu
Comment joindre cet artiste :
courriel : lavinia.picu@gmail.com
Lavi Picu est une artiste montréalaise née en Roumanie. C'est une artiste autodidacte qui utilise la peinture comme forme alternative d'expression personnelle ainsi que comme thérapie de gestion de la douleur pour la maladie de Lyme.
Les peintures de Lavi Picu visent à éveiller les gens, à les amener à chercher des significations plus profondes, à gratter sous la surface. Ses œuvres offrent des aperçus du cycle de la vie humaine et de ses relations complexes. Elle dépeint des sentiments et des émotions tels que la vanité, la fierté, l'amour, la peur, la maternité, etc.
Utilisant l’acrylique comme médium, elle explore les préjugés contre les femmes, la pression et les attentes de la société envers les femmes de tous âges.
Elle s’intéresse à la création d’œuvres d’art qui servent un objectif multiple : esthétique, inspirant, réflexif en remettant en question les idées conventionnelles de la société.
Fille en forme de pod Kaléidoscope
Acrylique
40" x 30"
Prix : 1000$
Kaleidoscope Pod Girl nous rappelle que la beauté intérieure vient de l'intérieur, que la pleine conscience est la clé d'une vie heureuse et saine. Bien que chacun de nous vive dans sa propre capsule, nous sommes tous connectés ; nous sommes connectés à un niveau supérieur.
L’œuvre offre une perspective sur l’esprit humain, une invitation à cultiver l’autonomisation, à développer des liens et à vivre une vie pleine de sens.
Le contraste entre l’extérieur et l’intérieur souligne l’interconnectivité humaine.
Leslie Fehler
Comment joindre cet artiste :
courriel : N/A - si vous êtes intéressé, veuillez contacter le WASM à info@wasmtl.org
Cette œuvre a été inspirée par le Groupe des Sept.
Ombre de lune
Acrylique
20" x 24"
Prix : 200$
Les lumières de la ville
Acrylique
16" x 20"
Prix : 300$
Lianne Castravelli
Je suis une créatrice compulsive vivant dans le Grand Nord Blanc.
Mon intérêt réside dans le fait d'ignorer les frontières inutiles entre l'art noble/l'art populaire/les beaux-arts/l'art décoratif. L'art est vaste et dévorant. Je veux le déséquilibre constant qui consiste à vivre avec passion.
À ce stade, je veux que la vie soit comme un rouleau de tissu qui se défait, un écheveau de fil, une œuvre d'art exquise. La vie comme le lent versement d'un vin magnifiquement élaboré, comme le déroulement d'une phrase résonnante.
Pour moi, la beauté se trouve dans tout ce qui rayonne de joie et se fraye un chemin jusqu'à mon cœur. Tout ce qui nous élève, qui nous amène au niveau d'un horizon infini de possibilités.
Après tout, tout n'est-il pas toujours possible ?
Mes études en art et en littérature, mon travail dans l'industrie du vin, mes aventures à Londres, ma fondation à Montréal m'ont tous conduit à cette intersection intéressante.
Dans mon monde idéal, mon objectif est de mener une belle vie et d'aider les autres à s'élever - ceux que j'aime, ceux que je n'ai pas encore rencontrés, ceux qui se trouvent entre les deux - avec intention, grâce et générosité.
Souhaitez-moi un peu de chance cosmique.
Mademoiselle Quackenbush : Magia Naturalis
Huile
18" x 22"
Prix : 360$
Lisa Elin
Lépidoptères et lilas
Photographie numérique et acrylique
20" x 30"
Prix : 1200$
Si les arbres pouvaient parler
Photographie numérique et acrylique
24" x 32"
Prix : 1200$
Louise G. de Tonnancour
Comment joindre cet artiste :
email : N/A - si vous êtes intéressé, veuillez contacter le WASM à info@wasmtl.org
La Jupe Bleue
Huile
13" x 15"
Prix : NFS
Attendre
Huile
15,5" x 13"
Prix : NFS
Linda Goldman
Diplômée des Beaux-Arts, j'ai dirigé une entreprise de design, puis je me suis orientée vers l'enseignement de l'anglais et j'ai écrit 44 livres pour trois grands éditeurs, puis je suis devenue rédactrice et coach littéraire. Je suis désormais devenue une créatrice d'art à plein temps.
En tant qu'artiste abstrait, je suis attiré par les couleurs et les lignes lumineuses. Mon art est décrit comme des couleurs vives avec des éléments ludiques. Jouer avec les motifs et les lignes est comme une danse sur du papier ou une toile. Je peins des pièces plus petites avec des encres à l'alcool, qui ont des couleurs vives et une nature imprévisible. J'ajoute souvent des dessins et des motifs par-dessus, ce qui rend chaque pièce totalement unique. Mes plus grandes peintures sont des acryliques et des techniques mixtes, comme le stylo, les pastels ou même les crayons de couleur. En fait, je rêve en couleur après une journée de peinture. La résine est la touche finale de beaucoup de mes pièces. Jamais dans mes rêves les plus fous je n'aurais imaginé que je manierais un chalumeau et une ponceuse électrique, ou que je peindrais avec un masque et des gants, mais c'est ce que l'on fait par amour !
D
Life is always bursting forth, and flowers are the eternal elements that bring us unrequited beauty.
Fleur
Encre et résine
12" x 12"
Prix : 275$
« Black Beauty » représente les fils d’idées qui reflètent notre passé et colorent notre avenir.
Beauté noire
Encre et résine
12" x 2"
Prix : 275$
Lynton H. Martin
Maison de campagne
Huile
24" x 19"
Prix : 400$
D
Scène de village
Huile
18" x 15"
Prix : 200$
Margaret White
Peinture et photographie.
Éducation :
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Baccalauréat en beaux-arts (avec distinction) avec spécialisation en peinture, Université du Manitoba, 1975.
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Études de design d'intérieur à la Faculté d'architecture de l'Université du Manitoba, 1972/72.
-
Scène au Centre de conception graphique Graff, Montréal, 1978.
Expositions :
-
Art Westmount 2006, 2008, 2010, 2012, 2014, 2016 et 2019.
-
"Westmount en images", exposition photo du Montreal Camera Club, Galerie du Victoria Hall 2017.
-
Exposition de photos du Montreal Camera Club, Galerie McClure, 2017.
-
Promenade artistique du village de Victoria, 2014.
-
Photographies SPPQ – MCC, Buffet Antique, 2012.
-
"Saisons dans la ville", Galerie du Victoria Hall, 2006. SPPQ - Photographies du MCC, L. L. Lozeau, 2002.
-
"face à face", Galerie Powerhouse, 1984.
-
"paysages ruraux/urbains", Galerie Alliance, 1984. "10 par 10 réalistes montréalais", Galerie Alliance, 1983.
-
La maison de l'amitié de Montréal, 1981.
-
La Fleet Gallery, Winnipeg, 1977.
-
Galerie 111, Winnipeg, 1975.
-
Galerie du Victoria Hall (exposition partagée), 2012.
-
Galerie Powerhouse, 1983.
-
Hôtel de Ville de Westmount - Gagnant du concours de photographie ExpoCity Ville de Westmount, 2019.
Jaune et autres couleurs. Peinture abstraite. Peinture basée sur des sentiments et des perceptions d'émotions... ainsi que sur des impressions... ou peut-être des expressions. La couleur pour la couleur. Et la sensation de répandre de la couleur avec un pinceau.
Jaune Kaléidoscope
Acrylique
20" x 16"
Prix : 300$
Blue and other colours. Abstract painting. Painting that is based on feelings and perceptions of emotions... as well as impressions... or maybe it’s expressions. Colour for colour’s sake. And the feeling of spreading colour around with a brush.
Kaléidoscope Bleu
Acrylique
20" x 16"
Prix : 300$
Margo Godin
Durant les courts étés du Nouveau-Brunswick, Margo plantait des fleurs et s'occupait de son jardin avec une détermination rare. Elle est toujours fascinée par la nature et fait désormais vivre son jardin imaginaire à l'intérieur, sur ses toiles. Avec ces fleurs colorées, elle souhaite apporter au spectateur un sentiment de paix, de tranquillité mais surtout de joie. L'amour de Margo pour les fleurs et la couleur s'exprime à travers des contrastes forts et des couleurs primaires.
Le blues du Covid-19
Acrylique
24" x 24"
Prix : 550$
Chant de joie
Acrylique
12" x 12"
Prix : 275$
Maria Astadjov
Le goût des larmes
Technique mixte sur aluminium
49" x 38"
Prix : 2000$
Maria Astadjov est une artiste d'origine bulgare qui vit au Canada depuis 30 ans.
Elle est diplômée de l'Académie des Beaux-Arts de l'Université de Sofia, en Bulgarie. Elle a travaillé dans l'industrie de l'animation et du cinéma, mais sa passion est restée son art.
Au fil des ans, elle a exposé à Montréal, Ottawa, New York, San Jose et a participé à de nombreux salons européens. Le travail de Maria Astadjov varie en termes de support et de taille, mais son engagement envers la complexité des émotions et des connexions humaines reste constant.
Cette pièce particulière est un mélange unique entre l'art abstrait et l'art figuratif. Le matériau utilisé est l'aluminium blanc qui crée une surface lisse en contraste avec les formes complexes et entrelacées des visages, des formes et des couleurs. L'artiste Maria Astadjov a également créé différentes textures sur la base en aluminium à l'aide d'outils donnant plus de profondeur et de complexité à l'image.
Ce tableau fait partie d'une série d'œuvres sur aluminium. Il contient un élément décoratif, mais le thème reste le même dans toute l'œuvre de Maria Astadjov. Il s'agit de formes entrelacées, de pensées et de sentiments et de la capacité de voir le monde à travers les yeux d'une femme.
Illuminez ma journée
Mélange de techniques sur aluminium
46,5" x 32,5"
Prix : 1900$
Marie José Gélinas
Je suis une artiste plasticienne autodidacte. Je suis inspirée par la nature et j'ai la chance de vivre dans une région semi-rurale qui nourrit ma passion. Je suis fascinée par les transformations constantes et cycliques. L'objectif de mon appareil photo guide mon regard vers les cycles de vie qui m'entourent et les images que je retiens trouvent leur chemin sur la toile. J'aime explorer de nouvelles façons d'honorer la beauté qui m'entoure, en utilisant un éventail croissant de matériaux et de techniques.
I awoke one morning with this image in my mind’s eye. It emerged from my dreamtime, by-passing my usually busy intellect. As it took shape on the canvas, I saw that Dreamtime had opened a door into my psyche, and my roots. It also gave me a key to my future.
Pays des rêves
24" x 20"
Acrylique
Prix : 550$
À Marineland, la vie éclate sous toutes ses formes. Les créatures marines reflètent un kaléidoscope de couleurs, toutes changeantes à mesure qu'elles nagent dans, hors et à travers le paysage aquatique. Chacune d'entre elles abrite également son héritage : un embryon qui assure le cycle sans fin de la vie dans l'élément qui est aussi notre commencement.
Marineland
Acrylique
15" x 30"
Prix : 500$
Marja Hogan
Couleurs primaires
Huile
18" x 18"
Prix : 450$
Meta Maclean
Je me souviens de l'attente nécessaire à l'accouchement. Mon amour pour la fabrication d'objets en poterie et la sculpture pendant cette période a contribué à raccourcir le processus d'attente.
En attente
Argile
13" x 5"
NFS
Inspiré par l'amour de la nature, les fleurs s'épanouissent tandis que les oiseaux atterrissent et décollent. La puissance de leur présence éveille nos sens.
Réveil
Acrylique
27" x 21"
Prix : 500$
Miranda Castravelli
Miranda Castravelli est une artiste montréalaise et présidente de la Société des femmes d’art de Montréal, fondée en 1894. Sa formation en littérature et en histoire de l’art l’a amenée à poursuivre des études en design d’intérieur. De là, elle a étudié le dessin d’architecture et a travaillé comme dessinatrice indépendante pour divers projets de design. Miranda a travaillé dans le cinéma, la technologie, l’éducation et la gestion, mais l’art a toujours été sa véritable passion. Dans ses œuvres, elle essaie de transmettre l’ambiance d’un moment en utilisant l’utilisation impressionniste de l’ombre et de la couleur.
Le souper
Acrylique
18" x 32"
Prix : 465$
Chacun de nous laisse une impression. Chaque personnalité se distingue par sa singularité. Les petites et grandes différences sont visibles mais égales lorsque nous nous réunissons, créant une symphonie de couleurs plus grande que celle que chacun d'entre nous pourrait créer seul.
Mona Agia
Comment joindre cet artiste :
courriel : monaagia47@gmail.com
Se sentir bien
Huile
24" x 36"
Prix : 650$
Sur le Nil
Huile
24" x 36"
Prix : 650$
Nicole Gratton
Café à Notting Hill
Aquarelle
22" x 29"
Prix : 450$
Fish and Chips à Norwich
Aquarelle
22" x 29"
Prix : 450$
Patricia Belmar
Comment joindre cet artiste :
courriel : pbelmar@videotron.ca
Depuis qu’elle se souvient, Patricia a toujours été attiré par l’ART dans toutes ses différentes manifestations ; principalement la peinture, le dessin et la photographie. Elle utilise de nombreux medium tels que l’acrylique, l’huile, l’aquarelle et la cire pour créer des peintures basées sur la nature et la faune. Elle est titulaire d’un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia, 2014 et d’un certificat d’arts visuels de l’Université Bishops, 2007. Elle est aussi traductrice et parle plusieurs langues. Elle expose chaque année dans diverses expositions de groupe sur des sites comme : Galerie Le Livart, Université Concordia, Université Bishops, Ogilvie, Steward Hall, Centennial Hall, Galerie Warren Flowers, Peter B. Yeomans Center, Maison Trestler.
Elle a choisi l’art comme moyen de communication et d’expression personnelle ; Elle peut s’exprimer à travers des mots en tant que traductrice et à travers des images en tant qu’artiste. La nature, les souvenirs et l’imagination sont ses sources d’inspiration inextinguibles. Bien que, elle pense que la meilleure approche pour une interprétation libre- où la figuration et l’abstraction peuvent coexister- est la combinaison de l’imagination, la nature observée et les souvenirs.
Since she remembers, Patricia has always been attracted to ART in all its different manifestations; mainly painting, drawing, and photography. She uses many mediums as acrylic, oil, watercolors, and wax to create paintings based on nature and wildlife. She holds a BFA Degree from Concordia University, 2014 and a Visuals Arts Certificate from Bishop’s University, 2007. She is also a translator and speaks several languages.
She exposes yearly in various group exhibitions at venues as: Le Livart Gallery, Concordia University, Bishop’s University, Ogilvie, Steward Hall, Centennial Hall, Galerie Warren Flowers, Peter B. Yeomans Center, Maison Trestler.
She chose art as a means of communication and self-expression; she can express herself through words as a translator and through images as an artist. Nature, memories and imagination are her inextinguishable sources of inspiration. Although, she thinks the best approach for a free interpretation -where figuration and abstraction can coexist – is the combination of imagination, observed nature and memories.
D
Face au jour
Acrylique
36" x 36"
Prix : 1200$
Comme Patricia se sent très attirée par la nature, elle a décidé de représenter certains des pollinisateurs qui visitent son jardin au printemps et en été. Après de nombreuses observations, photos et images de ces merveilleuses créatures, elle a préparé diverses esquisses avant le croquis final dans un grand format. Les couleurs vives lui permettent d’exprimer la joie qu’elle éprouve en observant ces bijoux de la nature, les petits colibris.
As Patricia feels very attracted by nature, she decided to represent some of the pollinators that visit her backyard during spring and summer time. After many sightings and images viewings of these wonderful creatures she prepared various sketches before the final sketch in a big format. The bright colors let her express the joy she experiences when observing these jewels of nature, the tiny hummingbirds.
Punita
Punita est une artiste visuelle qui travaille dans une variété d'activités artistiques. La majeure partie de sa vie a été centrée sur l'enseignement, le coaching et l'apprentissage continu. L'art visuel a toujours allumé un feu dans son parcours de vie. En comprenant la psychologie de l'art, Punita s'efforce d'accomplir le but supérieur de sa vie.
Les défis des techniques mixtes, l'application de couleurs à l'huile avec une spatule, un stylo et de l'encre, le placement assidu des couleurs de soie et des aquarelles ne sont que quelques-unes des techniques sur lesquelles Punita s'épanouit. Elle explore l'utilisation de contrastes forts, de couleurs vibrantes et exquises et les marie de manière à apporter du réconfort à la vie. Dans son style artistique, la fluidité et la variété des couleurs jouent un rôle très important. Elle met l'accent sur l'équilibre des couleurs tout en cherchant simultanément à manifester l'asymétrie.
L'art de Punita attire l'attention sur l'amour ; l'amour de soi, l'amour pour l'humanité et l'amour profond pour notre planète « la terre mère ». Elle comprend ce que nous faisons à la planète, nous le faisons à nous-mêmes. Son art transmet un message complexe à toute l’humanité : aimez et revenez à votre propre importance. En nous souvenant de notre valeur personnelle inconditionnelle, nous ne devons jamais nous habituer aux oppressions indescriptibles et aux disparités vulgaires qui nous sont imposées tout au long de la vie.
La compréhension des royaumes spirituels en tant qu’être humain joue un rôle important dans le travail de Punita. Son art représente la transformation nécessaire d’un monde superficiel, performatif et irréaliste vers un monde qui rêve d’être plus aimant, compatissant, tolérant et honnête. Son travail capture l’état d’esprit de rêve alors qu’elle navigue entre la dure réalité et la foi douce et la dévotion à d’autres royaumes expansifs. Elle a tiré son inspiration et ses connaissances de son instructeur Jerry Heine, à l’Université d’Alberta où elle a étudié les arts visuels.
Punita a exposé ses œuvres à l’échelle nationale et internationale, notamment à Chandigarh, en Inde et en Alberta, au Canada. L’esprit généreux de Punita et sa passion pour transformer son art en guérison communautaire sont évidents par ses dons à plusieurs organisations à but non lucratif, notamment des groupes caritatifs, des enchères silencieuses et des événements de collecte de fonds pour les personnes marginalisées dans le monde réel.
Rythme cosmique
Huile
24" x 30"
Prix : 850$
Le vrai bonheur est à l’intérieur. L’esprit devient esclave lorsque tous les désirs sont annihilés. Le corps humain dont nous jouissons change et tout est mouvement. Apprenez à observer votre énergie car l’esprit est instable. Celui qui a purifié son esprit devient un centre de force. Le monde est le meilleur enseignant. « Le bonheur est votre droit. Tout ce que vous avez à faire est de découvrir qui vous êtes, ce que vous êtes, ce que vous pouvez être et de l’être ensuite ». ----Yogi B.
Souffle d'un ange
Huile
26" x 36"
Prix : 7500$
Reni Fee
Né le 7 février 1975
Vit et travaille actuellement à Montréal, Québec.
Reni Fee est une artiste émergente, travaillant principalement avec de l'huile à l'eau et de l'acrylique. Autodidacte, Reni a créé de l'art sous diverses formes tout au long de sa vie, mais ce n'est qu'en 2017 qu'elle a décidé de poursuivre ses rêves à plein temps.
Le travail de Reni touche au réalisme mais gravite surtout vers l'expressionnisme avec une passion pour l'obscur. Reni est plus heureuse lorsqu'elle peint sur d'immenses toiles avec une peinture épaisse et colorée qui prend des mois à sécher. Elle s'inspire de la nature et des choses du quotidien qui la font sourire.
Reni collabore actuellement à un projet d'art portable avec sa mère Wendy Fee, une artiste talentueuse en aquarelle. Reni a toujours été inspirée par les générations de femmes qui ont jalonné sa vie et par de nombreuses autres femmes fortes chaque jour, passées et présentes. Elle espère représenter ce sens de la beauté audacieuse dans son art portable, une fusion unique d'art et de mode qui peut être achetée sur www.artistgenerations.com.
Spring Fling a été inspiré par un magnifique coucher de soleil qui a donné le ton à une « palette champagne », quelque chose qui a apporté chaleur, couleur et spirales à son atelier d'art de Montréal tout au long de l'hiver.
Spring Fling
Huile
25" x 37,5"
Prix : 425$
True Blue s'est inspirée des nombreuses belles couleurs de l'hiver qui, bien que sombres, apportaient toujours chaleur, sérénité et un sentiment de calme à son atelier d'art de Montréal tout au long de l'hiver.
Spirale descendante
Huile
25" x 37.5"
Prix : 425$
Rochelle Mayer
Randonnée Lune Noire
Mixte
12" x 16"
Prix : 350$
Randonnée Lune Blanche
Mixte
12" x 16"
Prix : 350$
Ruth Dunsky
Ruth Dunsky a suivi son premier cours de dessin et de peinture à l’Université Sir George Williams en 1965-66.
Au fil des ans, elle a suivi de nombreux cours de peinture, notamment des cours de dessin et de peinture à l’ancien Centre des arts Saidie Bronfman jusqu’à sa fermeture.
Au cours des derniers étés, elle a participé à des ateliers de peinture au Collège St. Lawrence en Ontario.
Depuis 2005, Ruth expose chaque année avec le Women’s Art Studio ainsi que dans d’autres expositions collectives telles que le cimetière Mont-Royal, la Women’s Art Society de Montréal, le Wynmoor Festival of the Arts (Floride), la bibliothèque du Broward College (Floride).
Elle a également eu des expositions individuelles au restaurant Gryphon d’Or, à la bibliothèque Eleanor London et avec 2 autres artistes à la galerie Mile End.
Dans ce tableau, l'artiste s'est inspirée de la vue de sa petite-fille en train de jouer de la flûte à bec. La combinaison de l'effet de la lumière du soleil sur la silhouette de l'enfant et son environnement, ainsi que la pose de l'enfant, ont inspiré ce tableau. Ruth Dunsky s'inspire de la musique et a peint d'autres œuvres de musiciens en action.
Musique par une matinée ensoleillée
Acrylique
14" x 18"
Prix : 250$
Ce tableau a été inspiré par un voyage dans le sud des États-Unis. L'artiste a été impressionné par cette scène avec sa verdure luxuriante, ses étonnantes branches d'un chêne vivant et le jeu d'ombre et de lumière.
Cabane dans les bois
Acrylique
20" x 24"
Prix : 600$
Sandra Boorne
Comment joindre cet artiste :
courriel : sandraboorne@hotmail.com
Sandra Boorne est une artiste visuelle basée à Montréal. Sandra travaille dans son atelier du Complexe du Canal à Saint-Henri.
Elle peint principalement des paysages contemporains et aussi plus récemment, des scènes urbaines de sa ville.
Ses techniques de prédilection sont les pigments à l'huile en bâtonnets ou peints au pinceau selon la technique de l'impasto. Sandra peint également à l'aquarelle dans un style libre et expressif.
Un kaléidoscope de couleurs surplombant la rue Sainte-Catherine était une œuvre emblématique qui a plané sur la rue piétonne du Village pendant de nombreuses années… et elle a disparu. Commémorer la magie de cette expression d’espoir et de joie est particulièrement pertinent en ces temps de confinement. L’arc-en-ciel de couleurs et de textures sur le ciel sombre du soir et la rue pleine de gens qui déambulent sont le rêve d’un avenir proche où la vie reviendra à la normale. Quelle que soit cette nouvelle normalité.
Cinq roses la nuit
Huile sur toile
24" x 30"
Prix : 850$
Sharron M. Gallagher
Originaire de Montréal, Sharron Mary Gallagher est une peintre qui s’inspire de ses sentiments envers la nature et la lumière.
Bien que l’huile soit son médium préféré, elle aime également l’aquarelle, l’acrylique, le pastel, le fusain, l’encre et le crayon.
Expressionniste abstraite, Sharron aime explorer la texture, la fluidité et la couleur. Elle crée ses propres combinaisons de couleurs et compositions.
La compréhension de Sharron de la nature et de l'environnement influence son travail de manière simple et ludique. Étudiante au Centre des arts visuels [2001+], au Musée des beaux-arts de Montréal [École d'art] et au Centre Cummings, Sharron a également étudié avec Marilyn Rubenstein pendant quatre ans. Elle a peint dans des ateliers en Europe, en Asie du Sud-Est et dans les Laurentides.
Sharron a exposé son travail dans des expositions individuelles, avec jury et collectives au Québec depuis 2009. Sharron a participé en ligne au « Leslie Saeta : Fine Art Challenge of « 30 Paintings in 30 days » à trois reprises.
Les artistes qui l'influencent sont Renoir, Monet, Kandinsky.
Au fil des années, Sharron a été membre de nombreuses associations comme la Woman's Art Society of Montreal, LaSalleArtists Association, Woman's Art Studio of Montreal, Montreal Council of Women, ELAN, YES Montreal
Sharron a été professeure de sciences infirmières au Collège Dawson [Montréal] pendant vingt-huit ans. Sa formation comprend une maîtrise en éducation [McGill], un baccalauréat ès arts, un baccalauréat en sciences infirmières [Université du Nouveau-Brunswick], une infirmière autorisée du CEPEC [Université de Sherbrooke], à l'école de sciences infirmières de l'hôpital St Mary's
Bleu flottant
Huile
41,75" x 41,75"
Prix : 1475$
Jardin espagnol
Aquarelle
17,5" x 21"
Prix: 450$
La nature est ma principale source d’inspiration et mon principal sujet d’intérêt. Le processus de peinture abstraite me permet d’ouvrir les bras et d’embrasser la réalité selon mes propres termes. Cela m’offre l’espace pour respirer, danser et ressentir l’instant. Je ne cherche pas à décrire l’histoire complète, mais plutôt à explorer la forme, la couleur et les éléments qui constituent l’ensemble. Les émotions me stimulent à peindre. La couleur et les contours murmurent ou crient que je ne suis pas intimidée par des facteurs qui sont plus grands que moi. Lorsque je sens le soleil un jour froid d’hiver et que je vois les doux rayons sur le paysage, je suis ému et je peux sentir le déchaînement de toutes sortes de chants somatiques en moi. L’émotion de découvrir quelque chose de beau ou de triste n’a pas de dimensions ou de limites spécifiques dans mon esprit. La joie, le chagrin, l’obscurité, la lumière sont des sujets qui m’intéressent régulièrement. J’aime l’acte de créer. J’apprécie le mouvement fluide des traits et des formes. J’aime l’épaisseur de la peinture, les surprises qui évoluent sur le papier et la façon dont la peinture se mêle à la texture de ma toile. J'aime la façon dont mon corps danse au rythme de mon travail. La peinture est ma voix, mes mains, mon cœur, ma musique, ma passion et un portail vers mon âme.
Sophie Bisaillon
Je suis un artiste émergent intéressé par l'exploration de l'art abstrait, la sensation de la couleur et à faire confiance à l'intuition pour révéler la peinture qui veut émerger, servant d'instrument simple.
Diplômé du programme Creative Visionary avec Nicolas Wilton et du programme Find Your Joy avec Louise Fletcher, l'art abstrait est une nouvelle aventure, un voyage intérieur. Que mon art rende les gens heureux et aimés.
Ligne de pensée
Pastel à l'huile et acrylique
24" x 24"
Prix: 550$
L'art est une expression naturelle de l'amour dans sa forme la plus élevée, la beauté existe en nous et autour de nous. L'art est amour.
Confiance
Pastel à l'huile et acrylique
24" x 24"
Prix: 550$
Sonia Roseval
Une œuvre abstraite et chromatique qui négocie l'espace esthétique entre l'art figuratif et abstrait. Grâce à sa géométrie intuitive et basique.
Choreography of Colours
Ink jet on paper
22" x 32"
Price: 800$
Autodidacte encadrée par des artistes internationaux. Née à Tunis, Tunisie Sonia est artiste depuis l'âge de 12 ans.
Exposée dans des musées, galeries, expositions personnelles et collectives. Washington DC, Halifax, Victoria BC, Montréal, Toronto, Lyon.
Intuition de l'espace et des couleurs
Jet d'encre sur papier
10" x 14"
Prix: 400$
Une œuvre abstraite et chromatique qui négocie l'espace esthétique entre l'art figuratif et abstrait. Grâce à sa géométrie intuitive et basique.
SORian (Sorin Cretu)
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Né Sorin Cretu en 1977, d'origine roumaine.
Vit, travaille et développe sa pratique artistique à Montréal et Laval, Québec, Canada.
Son nom d'artiste est SORiaN, son art s'appelle SORiaN ArT et son style de peinture s'appelle surréalisme philosophique visionnaire.
Il fait appel à une multitude de techniques de peinture, utilisant principalement l'huile sur toile et l'aérographe.
A étudié les beaux-arts (peinture, dessin, histoire de l'art) à l'École de Beaux Arts Piatra-Neamt, Roumanie (1984 à 1992).
Titulaire d'une licence en philosophie au Département de philosophie théorique de l'Université de Bucarest, Roumanie (1997-2001).
A participé à plus d'une trentaine d'expositions d'art, de salons et de foires d'art locaux, nationaux et internationaux au cours des cinq dernières années (Canada, États-Unis, France, Royaume-Uni, Pays-Bas, Pologne, Russie, Roumanie), tout en étant reconnu par des prix, des médailles et des distinctions importantes.
Il a présenté son art dans des interviews, des journaux, des publications en anglais, en français et en roumain, tant au Canada qu'à l'étranger.
Membre actif de divers organismes artistiques (WASM, American Society for the Art of Imagination, Cercle des Artistes Peintres et Sculpteurs du Québec, ALPAP)
Éternel
Huile
48" x 36"
NFS
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Un tableau sur Notre Renaissance, sur l’émergence d’un Acte Unifié d’Amour et de Vie, le plus humain de tous, s’élevant au-dessus des ombres des peurs, à travers les voix de l’incertitude. C’est une histoire d’Immortalité, d’Être vraiment Vivant, Feu Éternel de Notre désir de matérialiser la vision d’être Un, qui révèle Notre Chemin. Notre Beauté et Notre Lumière portent dans leur fibre le sens qui compte le plus, pour que ce qui est vrai et précieux dans Notre Cœur devienne Notre Réalité. Nous renaissons en voyant l’Autre, nous sommes comblés en recevant l’Autre en Nous-mêmes.
Ce que nous construisons les uns à l’intérieur des autres sont les graines de notre monde.
C'est un tableau sur l'Amour qui ne meurt pas, sur la Lumière qui ne se transforme pas en ténèbres. L'immortalité est notre origine.
La vie compte.
La beauté compte.
La lumière compte.
La bonté compte.
La croyance compte.
L'amour les lie tous en NOUS.
Laissons l’amour, l’espoir, la confiance et la force définir qui nous sommes !
Néfertoum
Huile
40" x 60"
NFS
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This is a story about Humanity's Dawn, about the Rise of what We truly Are, about our believes, about the force of creation. The Sun, this healing light, is unique, raising Ourselves from the eternal mother Sea. ..Conquering of our unsighted struggles, over and over again. It is a story about fertility, about its mysterious force that makes Our Path emerge into a New Birth.
Our Birth, in all its scents of Love and Faith beyond any sacrifice...It is a story about the Beauty of Our awakening, about the nurturing pleasure of walking our given ground, flying at the heights of Our Heart, without counting its beats. We are the blooming Blue Lotus flowers of our most precious uncharted Wishes. We are the harvesters of Vision and Brightness of our rising sun which is holding dearly in its eternal fire the sweetness of God's nectar. It is Nefertum
Stanley Wasilewski
Stanley Wasilewski, né à Montréal, Québec.
Diplômé de l'Université Sir Williams.
STOP, REGARDEZ, ÉCOUTEZ, 3 mots qui ont créé la tapisserie de
un garçon de la ville/ferme au monde extraordinaire qui l'entoure. Aujourd'hui appelé « Art », hier/des années appelé « travail/jeu ». Mes thèmes peints tournent autour des sites de camping, de l'exploration de la couleur, de la forme, du toucher et de la surprise de voir tout ce que nous ne voyons pas autour de nous. Mes créations ont commencé avec des images réalistes et ont évolué au fil des années vers l'imagination
La nature surpasse toute activité humaine.
Perdu dans un champ de tournesols
Huile sur bois
14" x 16"
Prix: 300$
Poker pour tout le monde
Technique mixte et huile
16" x 20"
Prix: 150$
Suzy Charto
Rocket Man
Acrylic
24" x 24"
Price: 450$
Sourire kaléidoscopique
Acrylique
20" x 24"
Prix: 425$
Thelma Savelson
J'ai d'abord étudié avec Eric Goldberg. En 1974, j'ai obtenu un baccalauréat en beaux-arts de Concordia. En 1991, j'ai adhéré à WASM et j'en ai été membre jusqu'en 1998, après quoi j'appartenais et j'appartiens toujours au Women's Art Studio de Montréal.
J'ai réintégré mon adhésion à la WASM il y a 3 ans. Au fil des ans, j'ai remporté plusieurs prix dans les deux clubs, en commençant par le 2e prix à la WASM en 1994.
Inspiré de la palette utilisée pour peindre « À Bruges »
Palette brugeoise
Acrylique
16" x 20"
Prix: 600$
Paysage fabriqué
Acrylique
10" x 14"
Prix: 600$
Une abstraction inspirée d'un tissu drapé sur un chevalet
Theresa Passarello
Mon travail explore des questions qui me préoccupent depuis plus d’une décennie : la mémoire et le langage, les espaces de transformation ou les moments limités de conscience, souvent évoqués par la métaphore de l’eau. Les espaces vides, les lacunes, les parties manquantes évoquent une attention plus directe et une préoccupation pour l’absence de mémoire, le vide entre ce que nous savons et ce que nous ne savons pas, l’écho qui reste dans son sillage.
Née aux Bahamas, Theresa Passarello est diplômée du programme Studio Arts de l'Université Concordia et possède également un diplôme en génie civil de l'Université de Waterloo.
L'œuvre de Passarello s'intéresse à la condition humaine, en particulier aux thèmes de l'impermanence, du désir et de la mémoire. Ses œuvres ont été largement exposées, présentées dans des magazines et sont collectionnées à l'échelle internationale dans des collections privées et d'entreprises.
Lacune 1
Huile sur mylar
40" x 40"
Prix: 1650$
Je cherche un mot qui signifie espace vide, trou ou partie manquante. Certaines lettres manquent et les espaces vides sont des trous dans ma vie".
Sillage
Huile sur toile
30" x 24"
Prix: 1650$
Toni Lavery
Vision subconsciente exprimant des commentaires culturels sur l'heure du thé anglais et la délicieuse séduction de l'hospitalité du Sud des États-Unis.
L'heure du thé et le pique-nique
Collage de techniques mixtes
17" x 24"
Prix: 500$
Comment joindre cet artiste :
Courriel : tonilav@wasmtl.org
Formation:
Kansas City Art Institute 1973 à 1975 peinture, Colorado Institute of Art 1975 graphisme, Université du Kansas 1976 études indépendantes en scénographie et photographie.
Carrière artistique : Graphiste de 1976 à 1982. Reprise de la peinture en janvier 2019 après 40 ans d'absence.
Média : Peinture en techniques mixtes, aquarelle et collage.
Influences : surréalisme, impressionnisme, arts décoratifs.
Peintres préférés : Klimt, Van Gogh, O'Keefe et Chagall
Vision subconsciente combinant l’art décoratif et culinaire pour exprimer l’importance des deux pour nourrir une société civilisée.
Servir un petit-déjeuner coloré
Collage de techniques mixtes
17" x 24"
Prix: 500$
Wendy Fee
How to reach this artist:
email: info@wendyfeestudio.art
L'une des motivations les plus fortes qui poussent un artiste à créer est l'envie d'exprimer et de capturer la vérité émotionnelle d'une idée, d'un lieu ou d'une époque. Les peintures vibrantes et dynamiques de Wendy Fee sont sa réponse au paysage en constante évolution des éléments naturels qui l'inspirent aussi bien chez elle qu'en voyage.
Wendy s’exprime artistiquement depuis plus de trente ans, mais le chemin qui l’a menée à poursuivre ses études artistiques au niveau professionnel a été aussi imprévisible et fluide que la peinture qui recouvre ses toiles. Originaire de Montréal, Wendy a obtenu un MBA de l’Université Athabasca en Alberta et un diplôme d’études supérieures en gestion d’événements du Fitzwilliam Institute de Dublin, en Irlande. Elle a connu une carrière réussie dans le secteur des soins de santé, a lancé sa propre entreprise de planification d’événements et se concentre désormais sur la création artistique sur le bateau et dans son studio.
Le fait de vivre à bord d'un bateau pendant des mois a inspiré l'artiste à développer des techniques alternatives avec de la peinture et des supports. Parmi ses matériaux de bord figurent un rouleau de toile en polyester ainsi que des papiers Yupo et Terraskin, portables et faciles à étirer et à monter chez elle dans son atelier. Ces supports sont choisis pour leurs propriétés de durabilité et de surface de travail qui permettent une variété d'effets. Son objectif permanent est de communiquer le pouvoir réparateur de la nature pour reconstruire les cerveaux fatigués et les guérir, en s'appuyant sur les connaissances que les neuroscientifiques sont actuellement en train d'examiner sur ce concept. Richard Fernandes, ancien coach exécutif chez Google, parle de la nécessité d'avoir une boussole Internet et de la nécessité d'équilibrer les capacités offertes par la technologie avec les qualités de la vie que nous vivons hors ligne, des mots qui résonnent profondément chez l'artiste.
« Joy Ride » est l’une des plus récentes éditions de la série Jelly Dancer* , peinte à la fin de l’automne en studio après avoir été loin de l’océan pendant près de quatre mois. La couleur choisie, rouge, violet et turquoise, est devenue l’une de mes préférées et met parfaitement en valeur l’esprit fougueux de Joy Ride, exprimant la liberté de mouvement et le mystère de l’océan auquel j’avais hâte de revenir.
Balade en voiture
Acrylique sur Terraskin
36" x 24"
Prix: 1600$
Sommet précoce
Acrylique
32" x 34,5"
Prix : NFS